El arte griego

Como os anunciábamos en el artículo anterior (“El arte prehelénico“) damos paso al estudio sobre el arte griego.

Ya hemos conocido sus antecedentes egípcios, micénicos, cretenses e incluso mesopotámicos, los cuales nos vendrán a la memoria según avancemos en la lectura de este artículo, veremos esos elementos comunes y la herencia que dejaron a la cultura griega, la cual siglos más tarde tendrá su continuidad en Roma y formará lo que denominamos “La cultura Clásica”.

Es muy importante hacer este ejercicio de memoria y de continuidad, la Historia en sí, no es un echo aislado, es un proceso contínuo sin fin el cual no es posible entender sin conocer el pasado; así mismo, el arte es la expresión de cada etapa de la Historia.

En este artículo comenzaremos con la etapa arcaica, en la cual el arte es aun tosco y poco naturalista, con fuertes influencias del arte aulico desarrollado durante cientos de años en Egipto. Posteriormente pasamos a la etapa clásica, la cual da comienzo en Atenas tras las primeras guerras Médicas que los enfrentaron con Persia; este arte ya tiene una identidad propia, se aleja de los arcaismos y Grecia se convierte en el centro cultural del Mediterráneo. Por último, estudiaremos la etapa helenística, momento en el que el saber artístico y la cultura griegas se expanden por todo el mundo conocido gracias a las Conquistas de Alejandro Magno.


2 El arte griego

En los últimos siglos del segundo milenio se produjo la invasión de los dorios, comenzando la formación de la Grecia Clásica.

La mayor diferencia con respecto a las ciudades prehelénicas es la aparición del templo como centro de la polis, siendo objetivo principal de la nueva arquitectura; arquitectura que comienza a desarrollarse con estudiadas medidas de proporción, siempre es adintelada y se crean los denominados órdenes clásicos: dórico y jónico en primer lugar y corintio como evolución tardía del jónico.

Los tres órdenes clásicos es el lenguaje arquitectónico que forma el exterior de un edificio a través de tres elementos: el pedestal, la columna y el entablamento.

El orden dórico comienza con tres escalones como pedestal, su columna carece de basa y el fuste de sus columnas está surcado por estrías longitudinales unidas en arista viva. El diámetro de la columna se hincha ligeramente en el centro, es el llamado éntasis. El capitel consta de una moldura fina (collarino), de un núcleo en forma de plato (equino) y de un prisma cuadrangular que remata la columna (ábaco).

orden dórico

Ya en el entablamento encontramos el arquitrabe (una gran viga sin adornos), en el friso, alternan los tríglifos (rectángulos divididos por tres lísteles verticales) y metopas (losas cuadradas que pueden aparecer esculpidas), y finalmente, el elemento principal de la cornisa es el frontón, que desde el comienzo albergó importantes conjuntos arquitectónicos.

El orden jónico tiene el mismo pedestal, pero la columna tiene la basa con molduras cóncavas y convexas, carece de éntasis y el capitel posee un equino cubierto de ovas, una voluta (almohadilla con los extremos enroscados en espiral) y un ábaco decorado con hojas y dardos. Por fin, en el entablamento el arquitrabe está dividido en tres bandas horizontales y el friso es completamente liso, a menudo decorado con relieves.

orden jónico

Por último, el orden corintio se diferencia del jónico en su capitel formado por hojas de acanto.

orden corintio

En cuanto a la planta, los templos suelen tener una forma rectangular cerrada (cella) que cobija la estatua del dios. Delante de la puerta de acceso hay un pórtico con paredes laterales rematadas por dos columnas (pronaos) y, en el extremo opuesto puede aparecer un falso pórtico buscando la simetría de la planta pero incomunicado con el templo. Asimismo existe siempre un pórtico de columnas que rodean al edificio por sus cuatro lados sin adosarse al muro.

Ya en el exterior, cada uno de los elementos se encontraba pintado con vivos colores, además, los escultores curvaban sutilmente las líneas rectas del templo para corregir ilusiones ópticas.


2.1 El periodo arcaico

Este es un periodo de aprendizaje y ensayo. Desde el 600 a. C. se reemplazan el abobe y la madera por la piedra en las nuevas construcciones, el orden principal es un dórico básico y tosco y el frontón de los templos sufre una importante modificación; al ser triangulares y menguar desde la parte central, se llega a la solución de componer las escenas con esculturas de la misma talla inclinándolas, sentándolas, tumbándolas, etc., según se alejaban del centro.

En esta etapa, el referente escultórico será el egipcio, pero con una intención de búsqueda de la belleza que irá evolucionando más allá de la vista en Egipto; las figuras siguen la ley de la frontalidad, se componen por dos mitades simétricas, y no realizan ningún giro en sentido lateral, además, el modelado  de los altibajos de superficie dentro de formas mayores aun desempeña un papel secundario. El repertorio escultórico incluye dos temáticas principales: el hombre desnudo (Kouros) y la mujer vestida (Korai).

kouros korai

-Kouros y Korai

El Kouros aparece siempre de pie, de frente, muy erguido, adelantando la pierna izquierda, brazos pegados al cuerpo y con los puños cerrados. Sus ojos son prominentes, el pelo es una masa geométrica, y tiene una característica sonrisa forzada (sonrisa arcaica).

Las Korai son estatuas femeninas arropadas por telas multicolores formando unos vestidos gracias a los cuales el artista comienza a intentar representar pliegues, volumen y movimiento.

La cerámica comienza su periodo de aprendizaje y pasa a ser la única aproximación que tenemos a la pintura griega, perdida en su totalidad.

La primera cerámica en aparecer es la de figuras negras, aún con muchos arcaísmos. La de figuras rojas aparece hacia el 500 a. C., toma los temas de la heroica, los pintores comienzan a estudiar el movimiento de los cuerpos, las figuras ganan solidez y volumen y aparece una tercera dimensión muy atenuada.

rapto de tetis

-Rapto de Tetis. Cerámica de figuras rojas.

Los artistas griegos continuaron silueteando sus figuras y las viejas fórmulas eran el punto de partida, pero por primera vez, no se ven completos los pies y manos de una figura, se atreven a pintar un pie visto de frente, descubren el escorzo, y teniendo en cuenta el punto de vista, comienzan a sacrificar la realidad en favor de la apariencia.

Las invasiones Persas supusieron la ruina de muchos vestigios del arcaísmo. Pasada esta etapa, las nuevas estatuas presentarán otra fisonomía, desde este momento el arte griego es naturalista, las formas se ven idealizadas y construyen arquetipos de belleza ideal. La belleza del cuerpo humano y de las cosas que vemos, se compone de simetría y proporción.

La escultura más representativa de esta transición es el “Auriga de Delfos”, inmediatamente anterior al periodo clásico. Es el bronce más antiguo conservado, conmemora la victoria de un tirano en una carrera de caballos y el atleta aparece sosteniendo un puñado de riendas, volviendo la cabeza hacia la derecha y con una diadema ceñida. Mantiene rasgos arcaicos, como la regularidad en la caída de los pliegues, el mantenimiento sobre los dos pies y el tratamiento del pelo, pero ya ha desaparecido la “sonrisa arcaica”, todas las arrugas y pliegues de la túnica son diferentes, el borde inferior del vestido va formando una ligera curva en movimiento y el pelo se va despegando sobre las sienes en un rizado más volumétrico.

auriga de delfos

-Auriga de Delfos


2.2 El periodo clásico

A partir de esta etapa tendremos que tener en cuenta las copias romanas, ya que gran parte de los originales se han perdido.

En la segunda mitad del siglo V a. C. Atenas se hallaba bajo el mandato de Pericles, en el apogeo de su gloria y  en plena ebullición artística, entre la que destaca la reconstrucción de la Acrópolis.

Serán tres escultores los que ponen las bases de toda la estatuaria clásica: Mirón, Fidias y Policleto.

El trabajo más conocido del broncista Mirón es El Discóbolo, obra que conocemos por copias romanas. Representa el cuerpo de un atleta en el momento de máxima tensión, echado hacia delante para producir el balanceo, esfuerzo que no se refleja en el rostro de la estatua. La torsión del cuerpo es vigorosa, pero al mismo tiempo armoniosa y delicada.

discóbolo mirón

-Discóbolo de Mirón. Periodo clásico.

A Policleto le interesa la representación escultórica del cuerpo humano desnudo, suponiendo una clara afición por los temas atléticos. Su aportación más importante es un libro titulado Kanon, que encerraba los resultados de su estudio sobre las proporciones del cuerpo humano.

El Doríforo, posiblemente Aquiles, reúne todas las aportaciones de Policleto a la escultura. Una sola de sus piernas mantiene todo el peso del cuerpo, dejando libertad de movimiento a la pierna libre. La figura gana en profundidad ayudada por que el brazo que llevaba la lanza se dirige hacia delante, penetrando en una capa del espacio distinta a la que el cuerpo ocupa. A pesar de todo, Policleto aun respeta el principio tradicional de ofrecer el punto de vista principal frente a la escultura.

doríforo de policleto

-El Doríforo de Policleto. Periodo Clásico.

Fidias será quien dé al arte clásico su forma perfecta. Poco después de la expulsión de los persas, comenzó a colaborar con Pericles, dirigiendo todas las obras de reconstrucción de la Acrópolis, hasta que fue acusado de robar materiales destinados a la estatua de Atenea Pártenos y tuvo que abandonar la ciudad.

Su gran trabajo fue su labor en el Partenón.

partenón

-Partenón, Acrópolis de Atenas. Periodo clásico.

Comenzó a construirse en el 447 a. C. según el proyecto de dos arquitectos supervisados por Fidias, está completamente construido

de mármol y su orden es el dórico. La decoración escultórica corrió a cargo de Fidias y sus ayudantes, las metopas simbolizaban la Gigantomaquia y la Centauromaquia, el friso representaba las fiestas Panateneas, y los temas de los frontones eran el nacimiento de Atenea y su disputa con Poseidón por lograr el dominio del Ática.

En todas sus esculturas, Fidias demuestra un magistral dominio de la anatomía y tratamiento del volumen y los pliegues gracias especialmente a su técnica de “paños mojados”.

las parcas, fidias

-Las Parcas, Técnica de paños mojados.

En esta etapa se construyen también los Propileos (acceso a la Acrópolis, gigantesco pórtico de mármol con fachada dórica) y el Erecteion.

El Erecteion  se construyó donde legendariamente Atenea y Poseidón se disputaron el dominio de Atenas, por lo cual, el arquitecto no pudo manipular el terreno y adaptó el edificio a las desigualdades del terreno. El conjunto es un rectángulo adaptado de este a oeste, con dos secciones (una para cada dios), precedidas por pórticos de columnas jónicas. En el lado sur se levanta el Pórtico de las Cariátides, estatuas que funcionan como fuste de las columnas.

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-Erecteion, Acrópolis de Atenas.

El siglo IV a. C. es otro gran siglo del Periodo clásico. Fuera de Atenas aparecen los Tolos, edificios de planta circular. También se conservan teatros de esta época, como el de Epidauro, teatro con los asientos construidos sobre una pendiente, planta un poco más cerrada que un semicírculo y cuyo núcleo es la orchestra circular, por detrás de la cual se situaba la escena donde se hacían las representaciones.

epidauro

-Teatro de Epidauro.

Con respecto a la escultura, hay que destacar a Skopas, Praxíteles y Lisipo.

El más importante de ellos es Praxíteles y su obra “Hermes con Dioniso niño”, que representa a Hermes ofreciendo a Dioniso un racimo de uvas mientras lo transporta. Apreciamos la delicada torsión de la figura y una anatomía extremadamente cuidada con altibajos suaves. Aprende la lección de Policleto y deja en herencia la “curva praxiteliana”, técnica encargada de dotar de cierto movimiento a las figuras y consistente en apoyar todo el peso en una de las piernas y así inclinar la cadera opuesta. Sin embargo, aún mantiene el frente como punto de vista principal e inquebrantable de la escultura.

dioniso niño praxiteles

-Hermes con Dioniso niño. Praxíteles.

Por otro lado, Skopas crea una escultura cargada de emotividad y sentimiento, polo opuesto a la de Praxíteles, mientras que Lisipo, ya en tiempos de Alejandro Magno, mantiene el tipo de ideal atlético, pero lo somete a revisión.

meleagro skopas

-Cabeza e Meleagro. Skopas.


2.3 La época helenística.

Comprende los siglos que van entre la muerte de Alejandro Magno en el 323 a. C. y el principado de Augusto en el 31 a. C.,  y comprende la etapa en la cual la cultura griega se ha difundido por Asia, helenizando esos territorios y  absorbiendo elementos que transformaron su fisonomía.

Artísticamente, la arquitectura pierde brillantez pero busca nuevos efectos escénicos y abusa de la decoración. La principal novedad es la aplicación de los tres órdenes clásicos a grandes conjuntos monumentales, como es buen ejemplo el “Altar de Pérgamo”, construido en el siglo II a. C.. Se trata de un gigantesco altar rodeado por tres de sus lados con grandes relieves movidos y muy expresivos representando la lucha entre los dioses y los gigantes.

altar de zeus pergano

Con ejemplos como este o el grupo de Laocoonte, se evidencia el momento de esplendor escultórico que se vivió en esta época.

La escultura representa una escena descrita en La Iliada en la cual los dioses envían a dos serpientes para matar a Laocoonte, sacerdote troyano que quería rechazar el caballo que supondría la caída de la ciudad.  Destaca por como los músculos y los brazos acusan el esfuerzo y sufrimiento, la expresión de dolor en los rostros (rasgo anti clásico). Esto supone que la estatua sea un alarde de virtuosismo técnico, desde el juego de pesos, hasta el acabado de la superficie.

laocoonte

-Conjunto de Laocoonte. Etapa Helenística. Copia romana.


Bibliografía:

AZNAR ALMAZÁN, Sagrario. CÁMARA MUÑOZ, Alicia. (2002): Historia del Arte. Ed. UNED. España, Madrid.

DELLA FINA, Giuseppe M. (2013): Atlas ilustrado de la arqueología. Susaeta Ediciones. España, Madrid.

HUMBERT, Juan. (2000): Mitología griega y romana. Ed. Gustavo Gili. España, Barcelona.


Autor:

Luis Miguel Carranza Peco

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