Reapertura

Tras varios meses de inactividad damos comienzo a una nueva etapa en la página.

Ante la imposibilidad de darle la continuidad de publicaciones que precisa una web de esta índole, hemos pasado varias semanas buscando un equipo que pueda dárselas, así como modificar, dinamizar y modificar la página para darle el salto de calidad y profesionalidad que siempre hemos perseguido.

Como novedades importantes, hemos modificado y simplificado el apartado de categorías dejándola en cinco generales, pero sigue cumpliendo su función el buscador, así como las etiquetas individuales de cada artículo.

30-8-2016 1.8.56 1.jpg

Por otra parte, hemos eliminado los artículos sobre viajes y experiencias de ese campo para hacer esta página más específica (esto no significa falta del dinamismo que posee desde sus orígenes). Toda esta clase de escritos pasarán a un nuevo blog hermano, al cual estais invitados a conocer y participar:

29-8-2016 5.8.55 1

A partir de esta reapertura, contaremos con un equipo fijo de colaboradores que proceden de España, Italia, Colombia, Bolivia, Argentina, Méjico, etc, haciendo que tengamos la densidad y diversidad de publicaciones deseada (una semanal, alternando entre los dos blogs), además de poder gestionar todas nuestras redes sociales. También resaltamos de nuevo el texto de nuestra primera presentación para quienes aún no conoceis nuestra mecánica y objetivos:

Elantiguomundo.com es una plataforma cuya labor radica en la difusión pública de artículos y aportes de sus usuarios, ya sean estudiantes, profesores, profesionales, o simplemente amantes de los distintos campos de la cultura, vistos en un contexto histórico.

Por último, pasamos a dejaros el enlace de colaboración y de nuestras redes sociales para quienes esteis interesados en participar o contactar con nosotros, no sin antes agradecer a quienes están ayudando a este proyecto: a mi buen amigo Jose Antonio, una de esas personas que llegan a tu vida en el moento exacto y te hace descubrir y luchar por vivir tus pasiones, al maestro Rodolfo y a todo el “colegio de las musas” con quienes comenzó todo este proyecto de vida hace ya varios años, y para finalizar, agradecer a Adriana toda su motivación diaria durante tanto tiempo.

12-3-2015 20.3.19 4


Adm: LMCP

Anuncios

El arte griego

Como os anunciábamos en el artículo anterior (“El arte prehelénico“) damos paso al estudio sobre el arte griego.

Ya hemos conocido sus antecedentes egípcios, micénicos, cretenses e incluso mesopotámicos, los cuales nos vendrán a la memoria según avancemos en la lectura de este artículo, veremos esos elementos comunes y la herencia que dejaron a la cultura griega, la cual siglos más tarde tendrá su continuidad en Roma y formará lo que denominamos “La cultura Clásica”.

Es muy importante hacer este ejercicio de memoria y de continuidad, la Historia en sí, no es un echo aislado, es un proceso contínuo sin fin el cual no es posible entender sin conocer el pasado; así mismo, el arte es la expresión de cada etapa de la Historia.

En este artículo comenzaremos con la etapa arcaica, en la cual el arte es aun tosco y poco naturalista, con fuertes influencias del arte aulico desarrollado durante cientos de años en Egipto. Posteriormente pasamos a la etapa clásica, la cual da comienzo en Atenas tras las primeras guerras Médicas que los enfrentaron con Persia; este arte ya tiene una identidad propia, se aleja de los arcaismos y Grecia se convierte en el centro cultural del Mediterráneo. Por último, estudiaremos la etapa helenística, momento en el que el saber artístico y la cultura griegas se expanden por todo el mundo conocido gracias a las Conquistas de Alejandro Magno.


2 El arte griego

En los últimos siglos del segundo milenio se produjo la invasión de los dorios, comenzando la formación de la Grecia Clásica.

La mayor diferencia con respecto a las ciudades prehelénicas es la aparición del templo como centro de la polis, siendo objetivo principal de la nueva arquitectura; arquitectura que comienza a desarrollarse con estudiadas medidas de proporción, siempre es adintelada y se crean los denominados órdenes clásicos: dórico y jónico en primer lugar y corintio como evolución tardía del jónico.

Los tres órdenes clásicos es el lenguaje arquitectónico que forma el exterior de un edificio a través de tres elementos: el pedestal, la columna y el entablamento.

El orden dórico comienza con tres escalones como pedestal, su columna carece de basa y el fuste de sus columnas está surcado por estrías longitudinales unidas en arista viva. El diámetro de la columna se hincha ligeramente en el centro, es el llamado éntasis. El capitel consta de una moldura fina (collarino), de un núcleo en forma de plato (equino) y de un prisma cuadrangular que remata la columna (ábaco).

orden dórico

Ya en el entablamento encontramos el arquitrabe (una gran viga sin adornos), en el friso, alternan los tríglifos (rectángulos divididos por tres lísteles verticales) y metopas (losas cuadradas que pueden aparecer esculpidas), y finalmente, el elemento principal de la cornisa es el frontón, que desde el comienzo albergó importantes conjuntos arquitectónicos.

El orden jónico tiene el mismo pedestal, pero la columna tiene la basa con molduras cóncavas y convexas, carece de éntasis y el capitel posee un equino cubierto de ovas, una voluta (almohadilla con los extremos enroscados en espiral) y un ábaco decorado con hojas y dardos. Por fin, en el entablamento el arquitrabe está dividido en tres bandas horizontales y el friso es completamente liso, a menudo decorado con relieves.

orden jónico

Por último, el orden corintio se diferencia del jónico en su capitel formado por hojas de acanto.

orden corintio

En cuanto a la planta, los templos suelen tener una forma rectangular cerrada (cella) que cobija la estatua del dios. Delante de la puerta de acceso hay un pórtico con paredes laterales rematadas por dos columnas (pronaos) y, en el extremo opuesto puede aparecer un falso pórtico buscando la simetría de la planta pero incomunicado con el templo. Asimismo existe siempre un pórtico de columnas que rodean al edificio por sus cuatro lados sin adosarse al muro.

Ya en el exterior, cada uno de los elementos se encontraba pintado con vivos colores, además, los escultores curvaban sutilmente las líneas rectas del templo para corregir ilusiones ópticas.


2.1 El periodo arcaico

Este es un periodo de aprendizaje y ensayo. Desde el 600 a. C. se reemplazan el abobe y la madera por la piedra en las nuevas construcciones, el orden principal es un dórico básico y tosco y el frontón de los templos sufre una importante modificación; al ser triangulares y menguar desde la parte central, se llega a la solución de componer las escenas con esculturas de la misma talla inclinándolas, sentándolas, tumbándolas, etc., según se alejaban del centro.

En esta etapa, el referente escultórico será el egipcio, pero con una intención de búsqueda de la belleza que irá evolucionando más allá de la vista en Egipto; las figuras siguen la ley de la frontalidad, se componen por dos mitades simétricas, y no realizan ningún giro en sentido lateral, además, el modelado  de los altibajos de superficie dentro de formas mayores aun desempeña un papel secundario. El repertorio escultórico incluye dos temáticas principales: el hombre desnudo (Kouros) y la mujer vestida (Korai).

kouros korai

-Kouros y Korai

El Kouros aparece siempre de pie, de frente, muy erguido, adelantando la pierna izquierda, brazos pegados al cuerpo y con los puños cerrados. Sus ojos son prominentes, el pelo es una masa geométrica, y tiene una característica sonrisa forzada (sonrisa arcaica).

Las Korai son estatuas femeninas arropadas por telas multicolores formando unos vestidos gracias a los cuales el artista comienza a intentar representar pliegues, volumen y movimiento.

La cerámica comienza su periodo de aprendizaje y pasa a ser la única aproximación que tenemos a la pintura griega, perdida en su totalidad.

La primera cerámica en aparecer es la de figuras negras, aún con muchos arcaísmos. La de figuras rojas aparece hacia el 500 a. C., toma los temas de la heroica, los pintores comienzan a estudiar el movimiento de los cuerpos, las figuras ganan solidez y volumen y aparece una tercera dimensión muy atenuada.

rapto de tetis

-Rapto de Tetis. Cerámica de figuras rojas.

Los artistas griegos continuaron silueteando sus figuras y las viejas fórmulas eran el punto de partida, pero por primera vez, no se ven completos los pies y manos de una figura, se atreven a pintar un pie visto de frente, descubren el escorzo, y teniendo en cuenta el punto de vista, comienzan a sacrificar la realidad en favor de la apariencia.

Las invasiones Persas supusieron la ruina de muchos vestigios del arcaísmo. Pasada esta etapa, las nuevas estatuas presentarán otra fisonomía, desde este momento el arte griego es naturalista, las formas se ven idealizadas y construyen arquetipos de belleza ideal. La belleza del cuerpo humano y de las cosas que vemos, se compone de simetría y proporción.

La escultura más representativa de esta transición es el “Auriga de Delfos”, inmediatamente anterior al periodo clásico. Es el bronce más antiguo conservado, conmemora la victoria de un tirano en una carrera de caballos y el atleta aparece sosteniendo un puñado de riendas, volviendo la cabeza hacia la derecha y con una diadema ceñida. Mantiene rasgos arcaicos, como la regularidad en la caída de los pliegues, el mantenimiento sobre los dos pies y el tratamiento del pelo, pero ya ha desaparecido la “sonrisa arcaica”, todas las arrugas y pliegues de la túnica son diferentes, el borde inferior del vestido va formando una ligera curva en movimiento y el pelo se va despegando sobre las sienes en un rizado más volumétrico.

auriga de delfos

-Auriga de Delfos


2.2 El periodo clásico

A partir de esta etapa tendremos que tener en cuenta las copias romanas, ya que gran parte de los originales se han perdido.

En la segunda mitad del siglo V a. C. Atenas se hallaba bajo el mandato de Pericles, en el apogeo de su gloria y  en plena ebullición artística, entre la que destaca la reconstrucción de la Acrópolis.

Serán tres escultores los que ponen las bases de toda la estatuaria clásica: Mirón, Fidias y Policleto.

El trabajo más conocido del broncista Mirón es El Discóbolo, obra que conocemos por copias romanas. Representa el cuerpo de un atleta en el momento de máxima tensión, echado hacia delante para producir el balanceo, esfuerzo que no se refleja en el rostro de la estatua. La torsión del cuerpo es vigorosa, pero al mismo tiempo armoniosa y delicada.

discóbolo mirón

-Discóbolo de Mirón. Periodo clásico.

A Policleto le interesa la representación escultórica del cuerpo humano desnudo, suponiendo una clara afición por los temas atléticos. Su aportación más importante es un libro titulado Kanon, que encerraba los resultados de su estudio sobre las proporciones del cuerpo humano.

El Doríforo, posiblemente Aquiles, reúne todas las aportaciones de Policleto a la escultura. Una sola de sus piernas mantiene todo el peso del cuerpo, dejando libertad de movimiento a la pierna libre. La figura gana en profundidad ayudada por que el brazo que llevaba la lanza se dirige hacia delante, penetrando en una capa del espacio distinta a la que el cuerpo ocupa. A pesar de todo, Policleto aun respeta el principio tradicional de ofrecer el punto de vista principal frente a la escultura.

doríforo de policleto

-El Doríforo de Policleto. Periodo Clásico.

Fidias será quien dé al arte clásico su forma perfecta. Poco después de la expulsión de los persas, comenzó a colaborar con Pericles, dirigiendo todas las obras de reconstrucción de la Acrópolis, hasta que fue acusado de robar materiales destinados a la estatua de Atenea Pártenos y tuvo que abandonar la ciudad.

Su gran trabajo fue su labor en el Partenón.

partenón

-Partenón, Acrópolis de Atenas. Periodo clásico.

Comenzó a construirse en el 447 a. C. según el proyecto de dos arquitectos supervisados por Fidias, está completamente construido

de mármol y su orden es el dórico. La decoración escultórica corrió a cargo de Fidias y sus ayudantes, las metopas simbolizaban la Gigantomaquia y la Centauromaquia, el friso representaba las fiestas Panateneas, y los temas de los frontones eran el nacimiento de Atenea y su disputa con Poseidón por lograr el dominio del Ática.

En todas sus esculturas, Fidias demuestra un magistral dominio de la anatomía y tratamiento del volumen y los pliegues gracias especialmente a su técnica de “paños mojados”.

las parcas, fidias

-Las Parcas, Técnica de paños mojados.

En esta etapa se construyen también los Propileos (acceso a la Acrópolis, gigantesco pórtico de mármol con fachada dórica) y el Erecteion.

El Erecteion  se construyó donde legendariamente Atenea y Poseidón se disputaron el dominio de Atenas, por lo cual, el arquitecto no pudo manipular el terreno y adaptó el edificio a las desigualdades del terreno. El conjunto es un rectángulo adaptado de este a oeste, con dos secciones (una para cada dios), precedidas por pórticos de columnas jónicas. En el lado sur se levanta el Pórtico de las Cariátides, estatuas que funcionan como fuste de las columnas.

 erecteion 1 erecteion 2

-Erecteion, Acrópolis de Atenas.

El siglo IV a. C. es otro gran siglo del Periodo clásico. Fuera de Atenas aparecen los Tolos, edificios de planta circular. También se conservan teatros de esta época, como el de Epidauro, teatro con los asientos construidos sobre una pendiente, planta un poco más cerrada que un semicírculo y cuyo núcleo es la orchestra circular, por detrás de la cual se situaba la escena donde se hacían las representaciones.

epidauro

-Teatro de Epidauro.

Con respecto a la escultura, hay que destacar a Skopas, Praxíteles y Lisipo.

El más importante de ellos es Praxíteles y su obra “Hermes con Dioniso niño”, que representa a Hermes ofreciendo a Dioniso un racimo de uvas mientras lo transporta. Apreciamos la delicada torsión de la figura y una anatomía extremadamente cuidada con altibajos suaves. Aprende la lección de Policleto y deja en herencia la “curva praxiteliana”, técnica encargada de dotar de cierto movimiento a las figuras y consistente en apoyar todo el peso en una de las piernas y así inclinar la cadera opuesta. Sin embargo, aún mantiene el frente como punto de vista principal e inquebrantable de la escultura.

dioniso niño praxiteles

-Hermes con Dioniso niño. Praxíteles.

Por otro lado, Skopas crea una escultura cargada de emotividad y sentimiento, polo opuesto a la de Praxíteles, mientras que Lisipo, ya en tiempos de Alejandro Magno, mantiene el tipo de ideal atlético, pero lo somete a revisión.

meleagro skopas

-Cabeza e Meleagro. Skopas.


2.3 La época helenística.

Comprende los siglos que van entre la muerte de Alejandro Magno en el 323 a. C. y el principado de Augusto en el 31 a. C.,  y comprende la etapa en la cual la cultura griega se ha difundido por Asia, helenizando esos territorios y  absorbiendo elementos que transformaron su fisonomía.

Artísticamente, la arquitectura pierde brillantez pero busca nuevos efectos escénicos y abusa de la decoración. La principal novedad es la aplicación de los tres órdenes clásicos a grandes conjuntos monumentales, como es buen ejemplo el “Altar de Pérgamo”, construido en el siglo II a. C.. Se trata de un gigantesco altar rodeado por tres de sus lados con grandes relieves movidos y muy expresivos representando la lucha entre los dioses y los gigantes.

altar de zeus pergano

Con ejemplos como este o el grupo de Laocoonte, se evidencia el momento de esplendor escultórico que se vivió en esta época.

La escultura representa una escena descrita en La Iliada en la cual los dioses envían a dos serpientes para matar a Laocoonte, sacerdote troyano que quería rechazar el caballo que supondría la caída de la ciudad.  Destaca por como los músculos y los brazos acusan el esfuerzo y sufrimiento, la expresión de dolor en los rostros (rasgo anti clásico). Esto supone que la estatua sea un alarde de virtuosismo técnico, desde el juego de pesos, hasta el acabado de la superficie.

laocoonte

-Conjunto de Laocoonte. Etapa Helenística. Copia romana.


Bibliografía:

AZNAR ALMAZÁN, Sagrario. CÁMARA MUÑOZ, Alicia. (2002): Historia del Arte. Ed. UNED. España, Madrid.

DELLA FINA, Giuseppe M. (2013): Atlas ilustrado de la arqueología. Susaeta Ediciones. España, Madrid.

HUMBERT, Juan. (2000): Mitología griega y romana. Ed. Gustavo Gili. España, Barcelona.


Autor:

Luis Miguel Carranza Peco

El arte prehelénico

Os presentamos el segundo artículo sobre Historia del ArteEn esta ocasión se trata de un artículo breve, el cual originalmente formaba parte del tema sobre arte griego, pero hemos decidido separar por varios motivos.

Sin duda, tanto el arte cretense como el micénico sentaron las bases de lo que posteriormente sería la cultura griega, pero no dejan de ser dos civilizaciones que tienen muchos rasgos originales y característicos que desaparecerán tras su caida.

Así, cuando estudiemos el arte griego en profundidad, inconscientemente lo asociaremos al visto en este artículo, pero también recordaremos ciertas deudas con el arte egípcio o incluso el mesopotámico que vimos en el primer artículo sobre las primeras civilizaciones.

No olvidemos que incluso para los antiguos griegos, estas dos importentes ciudades, Creta y Micenas, forman parte de la época de los dioses y mitos, época de grandes reyes como Minos y Agamenón.


El mundo prehelénico

mundo griego

En los inicios del segundo milenio a. C. comienza a desarrollarse en torno al mar Egeo una civilización cuya cultura llegará a clasificarse como Cultura Clásica de la cual toda la civilización occidental es directa heredera.

Las aportaciones cretenses y micénicas serán fundamentales para crear las bases de lo que posteriormente será el arte griego.

  • Creta

En el segundo milenio a. C. se crea por inmigrantes de Asia Anterior una cultura original cuyo punto de irradiación se encontraba en la isla de Creta, la cual disfrutó de un gran bienestar económico al ser frecuentada por mercaderes. Los cretenses vivieron del mar y la agricultura, su religión adoraba a una diosa primigenia de la fecundidad, y dependían fuertemente de la naturaleza. Esto provoca que su arte sea alegre, vivo y con una rica inspiración en su propio paisaje.

La arquitectura cretense se caracteriza por carecer de edificios monumentales y fortificaciones, es siempre adintelada y destaca la utilización de la columna de madera fundada en basas de piedra y con fustes lisos o acanalados que se estrechan de arriba abajo cuyos capiteles tienen una moldura convexa coronada por un bloque prismático, siendo un posible antecedente del orden dórico griego.

columnas minoicas

-Columnas minoicas.

La principal construcción eran los palacios, construidos laberínticamente con gran número de cámaras, corredores y salas yuxtapuestas sin orden a causa de su formación gradual.

cnossos

-Palacio de Cnossos. Creta, cultura Minoica.

Estos palacios eran abiertos, con vistosos muros recubiertos de estuco y vivamente decorados con bajorrelieves y pinturas al fresco, de la que es buen ejemplo El fresco del Toro.

fresco del toro

-Fresco del Toro. Cultura cretense.

Se utilizan colores planos y sin perspectiva, con cierta deuda en los cánones egipcios y la ley de la frontalidad, sin embargo el movimiento, la vivacidad y la observación meticulosa de la naturaleza en la cual se inspiran, dan a los frescos cretenses una originalidad propia.

  • Micenas

También en el segundo milenio a. C. destacan los introductores de un idioma indoeuropeo en la Grecia continental, el pueblo de los aqueos. Este pueblo, gracias a la guerra y el comercio, logró situarse como señor de la población griega y dominar a sus predecesores egeos.

Los restos de los dirigentes de la casa real se encontraban en las tumbas del pozo de Micenas, acompañadas de ricos ajuares, armas, joyas y máscaras, entre las que destaca la Máscara de Agamenón.

agamenon

-Máscara de Agamenón. Cultura Micénica.

Para los enterramientos posteriores se pasa a la utilización de grandes cámaras cubiertas por falsas cúpulas (por aproximación de hiladas) y precedidas por un largo corredor, como ejemplifica el llamado “Tesoro de Atreo”.

tesoro de atreo

IMG_20131106_130620

-Tesoro de Atreo. Micenas.

Desde sus inicios, el reino se dividía en pequeños reinos dependientes de sus capitales, entre los cuales Micenas, parecía tener la hegemonía a pesar de las constantes disputas, por las cuales estas ciudades se rodearon de enormes muros llamados ciclópeos.

La entrada principal a Micenas era  la Puerta de los Leones, formada por tres grandes piedras monolíticas. La magnitud y peso del dintel obligó a abrir por encima un triángulo de descarga en el cual se esculpió un relieve que representa a dos leones escoltando una columna. Esta solución también fue utilizada en el Tesoro de Atreo.

puerte de los leones

-Puerta de los leones. Micenas.

En el interior de la ciudad, en el palacio, la unidad principal llamada mégaron, llegó a ser el embrión de lo que mas tarde será el templo griego.


Bibliografía:

AZNAR ALMAZÁN, Sagrario. CÁMARA MUÑOZ, Alicia. (2002): Historia del Arte. Ed. UNED. España, Madrid.

DELLA FINA, Giuseppe M. (2013): Atlas ilustrado de la arqueología. Susaeta Ediciones. España, Madrid.

HUMBERT, Juan. (2000): Mitología griega y romana. Ed. Gustavo Gili. España, Barcelona.


Autor:

Luis Miguel Carranza Peco

Prehistoria y primeras civilizaciones

Damos comienzo a las publicaciones sobre Historia del Arte, como no podría ser de otra forma, conociendo las primeras manifestaciones artísticas.

Este primer artículo es de vital trascendencia, ya que a diferencia de trabajos cronológicamente posteriores, no trata de una diversificación artística, sino de los propios orígenes, es decir, toda la evolución que sufrirá el arte, encontrará aquí sus primigenios antecedentes e inspiración.

En primer lugar estudiamos la prehistoria, desde el arte rupestre y las famosas venus, hasta monumentos arquitectónicos que aun nos intrigan y cuyo significado desconocemos. Seguidamente pasamos con Egipto y Mesopotamia, dos civilizaciones independientes y originales artísticamente, pero que deben ir en un mismo contexto, ya que suponen la cuna de la civilización tras la primera sedentarización del hombre y comparten paralelismos importantes. Terminamos con Persia por ser una evolución o último momento de esplendor de la civilización mesopotámica, pero sus paralelismos culturales ya no serán con Egipto, sino con Grecia.

Para concluir, indicaros que podéis consultar la etiqueta Historia del Arte para recordar los términos artísticos que iremos encontrando a lo largo del artículo.


1 La prehistoria

Las primeras manifestaciones artísticas tienen más de 35.000 años de antigüedad y surgieron a finales del Paleolítico, cuando el hombre aún era nómada y se refugiaba en cuevas, como las halladas en España y sudoeste de Francia, donde surgieron las primeras comunidades, pinturas y esculturas.

Como primeras esculturas destacan las famosas venus, representaciones femeninas en piedra con los órganos sexuales muy desarrollados y desproporcionados, pero desatendiendo el resto del cuerpo y el rostro, de lo que se deduce que podrían ser ídolos de fertilidad o de contenido mágico-religioso, como todo el arte de esta época.

 Venus lespuge Venus

-Venus de Lespugue y Venus de Willendorf . Esculturas prehistóricas.

 En cuanto a las primeras pinturas, podemos diferenciar dos escuelas, la francocantábrica y la levantina.

La francocantábrica se desarrolla al final del Paleolítico y se caracteriza por la realización de pinturas de animales en la parte más recóndita e interior de las cuevas. Los animales aparecen desordenados, adaptándose a la propia forma de las paredes y es pintada de una forma polícroma extremadamente naturalista. Excelentes ejemplos son la Sala de los bisontes de la cueva de Altamira y las pinturas de la cueva de Lascaux (Francia).

Altamira

-Sala de los Bisontes de Altamira. Pintura rupestre de la escuela francocantábrica.

De manera opuesta en cuanto a sus características, y ya en el Neolítico, la escuela levantina presenta diferencias importantes; el emplazamiento de las pinturas pasa a estar más cerca de las entradas a las cuevas o incluso al aire libre, aparecen más y mejor definidas las representaciones de la figura humana, los colores pasan a ser planos y el estilo es mucho más esquemático en detrimento del naturalismo.

Cogul

-Cueva de Cogul. Pintura rupestre de la escuela levantina.

En torno al VIII milenio a. C. se inicia en el Próximo Oriente la “Revolución neolítica”, etapa en la que se experimentan por primera vez las técnicas de ganadería y agricultura, iniciándose el proceso de sedentarización que daría lugar a la creación del tejido, la cerámica, y las primeras manifestaciones arquitectónicas.

Como consecuencia de las nuevas inquietudes religiosas, en el Neolítico comienza la primera arquitectura, que será de carácter megalítico.

El menhir es el primer elemento en surgir, consiste simplemente en una enorme piedra colocada de manera vertical, que en ocasiones puede aparecer en alineaciones que llevan el nombre de crómlech, como es el caso de Stonehenge.

Stonehenge from the air

– Stonehenge. 1ª Manifestación arquitectónica. Inglaterra, Neolítico.

Otro elemento más complejo es el dolmen, formado por varias piedras verticales con otras horizontales encima, pudiendo llegar a complicarse y evolucionar, como es el caso de la Cueva de Menga.

Menga Antequera

-Cueva de Menga. Dolmen prehistórico.


2 Mesopotamia

En el segundo milenio a. C. nace Mesopotamia, “la tierra entre ríos” (Tigris y Eúfrates), una fértil extensión de valles en la cual van surgiendo una serie de ciudades-estado continuamente enfrentadas entre sí.

Estas civilizaciones dan comienzo con los sumerios, asentándose en la parte baja del valle, los cuales desarrollaron el primer sistema de escritura, sobre tablillas de arcilla y en forma de cuña (cuneiforme). No es hasta la llegada de los asirios (1000-612 a. C.) cuando Mesopotamia alcanza su pleno desarrollo, incluyendo en su imperio todo lo que conocemos como la antigua Mesopotamia. Posteriormente, en el 612 a. C. con la caída de Nínive frente a los medos y los escitas, los soberanos asirios  de la parte meridional, se proclaman reyes de Babilonia, iniciando un breve florecimiento cultural hasta su conquista por los persas en el 539 a. C.

Los palacios de los reyes mesopotámicos estaban edificados sobre mesetas, dentro de recintos amurallados con grandes puertas y torreones. Estaban estructurados por numerosas dependencias, patios, salones y relieves con representaciones de animales y escenas del monarca.

Dentro de los palacios, y como elemento arquitectónico más característico de estas civilizaciones, se encontraba el  templo llamado Zigurat, una torre escalonada de gran altura en el cual se accedía a través de rampas y escaleras hasta la parte superior en la que se halla el santuario.

Zigurat

-Zigurat. Templo mesopotámico de barro y adobe.

Al ser una tierra de valles, la piedra escaseaba y los principales materiales de construcción eran el adobe y el barro cocido al Sol. Las cualidades de estos materiales ofrecían la posibilidad de crear enormes y baratas construcciones, sustituir el dintel por el arco (de medio punto) y el techo adintelado por la bóveda.

La columna carecía de importancia y en ocasiones, sobretodo en el periodo neobabilónico, se decoraba la arquitectura recubriéndola con cerámica (barro cocido y vidriado) con escenas de comitivas de animales reales o fantásticos.

Puerta de Ishtar

-Puerta de Ishtar. Periodo babilónico.

En cuanto al desarrollo de la escultura, destacan los relieves asirios, centrados en ensalzar la figura del monarca con escenas de cacerías o recepciones, los cuales reflejan un cuidado estilo naturalista.

Leona herida

-La leona herida. Palacio de Nínive. Relieve asirio.


3 Egipto

En torno al año 3.100 a. C. la estrecha pero fértil franja de terreno que se extendía a los lados del Nilo, es unificada bajo el férreo poder de un solo monarca, los faraones de Egipto, organización que duraría casi tres milenios y se caracterizará por mantener una gran estabilidad artística.

Egipto

La cultura egipcia estaba fuertemente influenciada por su entorno, la naturaleza, y la original y compleja religión que practicaban, siendo la vida de ultratumba y la adoración a los dioses, sus principales preocupaciones.

El legado más importante de la cultura egipcia es la arquitectura, colosal y de grandes proporciones. Siempre se construye en piedra, estructuras adinteladas y grandes muros formados por enormes sillares. Las columnas tienen una importancia fundamental, de superficie lisa o fasciculada, basa en forma de disco y unos capiteles inspirados en la flora y la fauna.

Capiteles egípcios

-Columnas y capiteles egípcios.

Tanto los muros como las columnas presentan una rica decoración, que puede estar compuesta por motivos animales, vegetales, sacros, o jeroglíficos.

Las principales construcciones son las tumbas y los templos.

La mayor parte de los templos se iniciaron en el reino antiguo, pero fueron evolucionando y creciendo a lo largo de los siglos, como el ejemplo del templo de Karnak.

 Templo de karnak

-Templo de Karnak. Egipto.

El primer elemento que aparece en el templo era la avenida de esfinges que conduce hasta la entrada. Ésta estaba formada por muros en talud colosales que impedían la vista del interior, una puerta adintelada, y los obeliscos que tenía delante.

En el interior aparecía primeramente un patio abierto con columnas (sala hípetra), seguida de una sala de columnas (hipóstila) la cual solía tener elevada la parte central para poner claraboyas. Finalmente, en la parte más interior del templo se situaba el sancta-sanctorum, una sala simple donde se veneraba a la divinidad.

En el reino nuevo se excavan algunos templos en la roca (speos), como los de Ramsés II en Abu Simbel.

Abu simbel

– Gran Speos de Abu Simbel. Templo egipcio construido por Ramsés II.

Las tumbas tuvieron una evolución más acusada. Las primeras en aparecer son las mastabas, una construcción en forma de banco horizontal que presenta una capilla a nivel de tierra con una puerta al exterior; interiormente estaban decoradas con pinturas y relieves que hablaban sobre la vida del difunto y en el nivel inferior se encontraba la cámara funeraria con su ajuar.

En el reino antiguo también surgen las primeras pirámides que irán evolucionando lentamente. Consisten en una superposición de mastabas que pueden tener sus caras lisas y conocen distintas técnicas, pero en este caso, la cámara funeraria se encuentra lo más disimulada posible en el interior de la pirámide.

Ya en el reino nuevo, y como sistema de seguridad, las tumbas comienzan a excavarse en la roca (hipogeos) la mayoría en el Valle de los reyes, formados por largos corredores y una sala funeraria.

Mastaba pirámides

-Evolución de las tumbas egípcias.

La escultura presenta poca evolución en los tres milenios, buscando una estabilidad religiosa y áulica, como es ejemplo “La tríada de Micerinos”. Se trata de un altorrelieve tallado de figuras rígidas, mirada fija, simétricas y sin torsión, dominadas por la llamada Ley de la frontalidad.

triada micerino

-Tríada de Micerinos. Alto relieve tallado en piedra.

Contrastan con este tipo de escultura los llamados escribas, pequeñas estatuas policromadas que buscan un estilo mucho más naturalista.

Escriba sentado

-El escriba sentado. Escultura egipcia de caliza policromada.

Tanto los relieves (casi siempre bajorelieves) como las pinturas, presentan características bien definidas. Son representaciones sin perspectiva, de colores planos, se utiliza una jerarquía de tamaños y la ley de la frontalidad, que consistente en representar la figura de frente de cintura para arriba, con el rostro de perfil (ojo de frente) y las piernas de perfil. Los temas suelen ser religiosos, militares y representaciones de la vida cotidiana del difunto.

Músicas tumba nakht

-Músicas de la Tumba de Nakht. Egipto


4 Persia

En el año 539 a. C. Ciro el grande conquista Babilonia, asumiendo los ambiciosos objetivos de los monarcas asirios. Este nuevo imperio fue ensanchándose con sus sucesores Darío, Jerjes, etc. y manteniendo paralelismos culturales con Grecia, hasta su final conquista por Alejandro Magno en el 331 a. C.

En el ámbito artístico, Persia es heredera de Mesopotamia, pero introduce novedades importantes además de estar condicionada por su religión zoroástrica. Al abundar la piedra y la madera, estos materiales pasan a tener una gran importancia en la arquitectura en la cual los palacios siguen siendo el monumento principal.

La arquitectura tiene siempre una estructura adintelada, escaso empleo del muro y pasan a predominar los pórticos de columnas, como en el Palacio de Darío.

Persépolis

-Palacio de Darío. Persépolis.

La columna pasa a tener un papel principal, espigada y esbelta, con una elevada basa campaniforme, fuste estriado verticalmente y con capiteles vegetales o formados por la mitad anterior de animales que simulan sostener las vigas.

Las tumbas son sencillas, es buen ejemplo la de Darío I, están excavadas en la roca, en un rehundimiento cruciforme con un pórtico ciego de columnas en la parte central y sobre él, un dintel de varias molduras. Completándolo aparecen en la parte superior las figuras alegóricas de las provincias y el propio soberano ante el altar de fuego.

Tumba darío

-Tumba de Darío. Persépolis.

En cuanto al tema escultórico, se añaden elementos de influencia griega, pero en su conjunto, difiere poco del ya conocido en Asíria. Los temas esculpidos abarcan desde la lucha de animales o criaturas fantásticas desfilando, hasta largas comitivas de personalidades y ejércitos que rinden tributo al rey.


Bibliografía:

AZNAR ALMAZÁN, Sagrario. CÁMARA MUÑOZ, Alicia. (2002): Historia del Arte. Ed. UNED. España, Madrid.

AJEET JAISWAL. (2007): The hominization process of Homo Sapiens. Ed. University of Delhi, India.

CERVELLÓ, Josep. (2014): Curso egiptología UAB 2ª ed. Coursera

DELLA FINA, Giuseppe M. (2013): Atlas ilustrado de la arqueología. Susaeta Ediciones. España, Madrid.


Autor:

Luis Miguel Carranza Peco

Cosmogonía solar

Egipto ha enamorado y fascinado a lo largo de toda la Historia, siempre ha poseído un halo de magia y misterio, que extrañamente no es orígen de nuestro desconocimiento de la misma, sino que cuanto más se conoce de su cultura y religión, más misteriosa y fascinante se vuelve.

Las tierras del Nilo son junto a Mesopotamia una de las tierras de los orígenes culturales del hombre. Aquí, fruto de la sedentarización, surgieron las primeras manifestaciones artísticas, culturales, y una religión completamente original, que pasó de ser de simples adoradores de la naturaleza, a diversificarse de una manera tán rica y diversa que no podrá igualarse.

Este artículo habla precisamente de la doctrina heliopolitana de la Creación, es decir, cuenta la creación del mundo según la religión de los antiguos egípcios. Veremos que toda construcción tiene un porqué, que la vida no se entendía sin la religión que todo lo impregnaba, y por último puede que nos venga a la cabeza lo que más interesante me resulta de esta religión, equivalencias con otras religiones más modernas, como pueden ser la griega, romana, cristianismo, etc. las cuales se nutrieron o asimilaron elementos de esta primera religión.


Heliópolis significa en griego “La ciudad del Sol”, ciudad en la que se sitúa el centro de origen de la religión solar egipcia, la cual explica la creación del mundo a través de la Cosmogonía solar:

6-4-2015 21.4.51 1

Situación de Heliópolis.

En un primer momento, según los sacerdotes heliopolitanos, antes de la creación del mundo solo existía el Nun, un espacio sombrío, silencioso y acuoso.

El primer elemento surgido de la nada es el llamado Benben o Colina Primordial, es el nacimiento de la tierra entre las aguas del Nun. En este primer paso ya podemos observar varias extrapolaciones del mundo real. El Benben hace alusión a las primeras tierras fértiles surgidas tras las inundaciones del Nilo, base de la vida en el antiguo Egipto. Por otro lado, podemos ver como las pirámides, obeliscos y piramidiones, lejos de ser un simple elemento estético, son siempre elementos rituales que evocan la creación de esta primera colina.

puesta-de-sol-piramides-de-egipto-6814

Pirámides de Khufu, Jafra y Menkaura.

El segundo ente aparecido en el Nun es al pájaro primordial, el llamado Ave Benu, representado por una lavandera egipcia o una garza real. Este ave se posa sobre la colina recién surgida de la aguas y grazna, implicando la aparición del sonido frente al silencio.

bennu

En este texto funerario, se hace referencia a Ave Benu:

“Este … ha graznado, en tanto que ganso.

Este … se ha posado en la planicie yerma que está sobre la isla grande. (Benben)

Este … se ha elevado hacia arriba.”

El tercer ente que aparece durante la creación es el Demiurgo solar, el dios Sol Atum, significando la aparición de la luz frente a las tinieblas del Nun.

El Demiurgo es una divinidad con tres aspectos diferenciados:

jepri-dios-egipcio1

Khepri, el sol de la mañana, dios representado con cabeza de escarabajo.

ra

Re, el sol del mediodía, representado con cabeza de halcón y tocado de disco solar y aureo.

atum

Atum, el sol del atardecer, dios con forma humana y tocado con la doble corona del alto y bajo Egipto.

El siguiente paso en la creación es la aparición de la primera pareja divina, el dios Shu, símbolo del aire y Tefnut, que simboliza la humedad o la luz.

Al encontrarse solo el Demiurgo solar, crea a los hermanos Shu y Tefnut a través de la masturbación, como describen en uno de los textos de la pirámides:

“Es Atum quien vino a la existencia como aquel que se masturbó en Heliópolis.

Agarró su falo con su puño para provocar el orgasmo con él

y los dos hijos-hermanos nacieron, Shu y Tefnut”. 

Llama la atención los explícito del texto, siendo la sexualidad y fertilidad un elemento muy importante de la religión egipcia, como ya vimos en el artículo Orígenes de la sexualidad.

De Shu y Tefnut surge la segunda pareja divina, formada por los dioses Geb, que simboliza la tierra, y Nut, que es símbolo del cielo.

A continuación, se produce un ordenamiento del espacio entre los nuevos entes surgidos de la creación. Geb (la tierra) es separado de Nut (el cielo) por su padre Shu, el dios del aire.

En un texto de los ataúdes se puede leer como el propio Shu habla del proceso:

“Estoy cansado desde que he levantado a mi hija Nut sobre mi, para entregársela a mi padre Atum como morada.

He colocado a Geb bajo mis pies; este dios, qué el mantenga unidas las Dos Tierras para mi padre Atum”.

En esta representación se puede observar el rol de cada unno de los dioses en el equilibrio del universo y la barca del rey difunto:

Geb-y-Nut

Por último, de la unión de Geb y Nut, aparece la cuarta generación de dioses primordiales, Osiris, Isis, Seth y Neftis, completando la que es llamada Enéada de Heliópolis, el conjunto de nueve dioses primordiales.

Eneada-de-Heliopolis

“¡Oh grán Enéada que está en Heliópolis,

Atum, Shu, Tefnut, Geb, Nut, Osiris, Isis y Neftis,

hijos de Atum! Extended su deseo (de regeneración) sobre su hijo (el rey difunto), en vuestro nombre de nueve arcos”.


CERVELLÓ, Josep. (2014): Curso egiptología UAB 2ª ed. Coursera

HAGEN, Rose-Marie y Rainer. (2010): Egipto, hombres, dioses y faraones. Ed. Taschen.

Historia del Arte

Hace tiempo, en mi infancia, quedó grabada a fuego en mi mente una frase que no entendí, “La guerra y el Arte, son las auténticas hijas del hombre”.

Ahora, pasados muchos años, esa frase toma su auténtica dimensión. El Arte es la manera que tiene el ser humano de expresar lo que nos hace distintos al resto de especies animales; aunque no deje de ser un instinto propio de nuestra especie, éste ya no se ocupa simplemente de perpetuar la supervivencia, sino de la creación. Es la manera de canalizar un fuego interior que nos hace buscar la belleza de lo que nos rodéa y plasmar todo lo que somos capaces de imaginar.

Desde que recibimos el don de la libertad de creación, hemos ido evolucionando la manera de expresar esos sentimientos, paralelamente a las distintas épocas de la sociedad humana. Por esto, el Arte no solo nos enseña “hermosas creaciones”, nos enseña la propia Historia y evolución del hombre, cómo la vivieron nuestros antepasados y qué sintieron la necesidad de crear y que perdurase hasta nuestros días.


Damos comienzo al que será, tras “La Roma de Bernini” el segundo proyecto de la web el cual procedemos a detallaros a continuación:

Realizaremos un repaso general a toda la Historia del Arte, pasando por todas sus etapas globales y enfatizando especialmente en las fases más relevantes en la Historia de España. Este proyecto tratará de ser de caracter divulgativo y conciso a la par que de utilidad académica, estando dirigido a todo tipo de públicos, amantes del arte, de la Historia y de profesionales y estudiantes que se dediquean a este campo.

Cada artículo se compondrá de una descripción histórica para comprender la realidad de cada etapa, grán cantidad de documentos gráficos, descripción de las obras más detalladas de cada tema y definición de los términos artísticos que utilicemos, los cuales también os dejamos al final de esta entrada.

Bibliográficamente trabajaremos sobre los libros de Alicia Cámara Muñoz y Sagrario Aznar Almazán publicados por Universidad Nacional de Educación a Distancia, utilizaremos elementos gráficos de nuestras propias investigaciones independientes y completaremos los artículos con los aportes de distintas fuentes profesionales.

Artículos a publicar:

EL ARTE EN EL MUNDO ANTIGUO:

1- La prehistoria y las primeras civilizaciones.

13-1-2015 23.1.28 3

2- El arte griego.

22-11-2014 22.11.17 21

3- El arte romano.

22-11-2014 22.11.42 20

EL ARTE EN LA EDAD MEDIA:

4- Arte paleocristiano y bizantino

13-1-2015 23.1.52 4

5- El arte prerrománico y la arquitectura románica.

13-1-2015 23.1.29 5

6- Escultura, pintura y artes decorativas del románico.

13-1-2015 23.1.56 6

7- Arquitectura gótica.

13-1-2015 23.1.14 7

8- Escultura, pintura y artes decorativas del Gótico.

13-1-2015 23.1.28 8

9- El arte islámico en España.

13-1-2015 23.1.51 9

EDAD MODERNA:

10- El Renacimiento italiano.

SixtinaManos

11 El Renacimiento en Europa.

13-1-2015 23.1.21 10

12- El Barroco en Italia.

20141205_131945

13- El Barroco en Europa.

13-1-2015 23.1.25 11

14-  Pintura barroca en España.

13-1-2015 23.1.39 12

ARTE EN EL MUNDO CONTEMPORÁNEO:

15- Neoclasicismo y Romanticismo.

13-1-2015 23.1.44 13

16- La pintura en el siglo XIX, del Realismo al Impresionismo.

13-1-2015 23.1.50 14

17- Escultura y arquitectura, el Neoclasicismo al final del siglo XIX.

20141205_131414

18- Vanguardias pictóricas en la primera mitad del siglo XX.

pablo-picasso

19- Arquitectura y urbanismo en el siglo XX.

13-1-2015 23.1.47 15

20- El arte en la segunda mitad del siglo XX.

13-1-2015 23.1.1 16


Para comprender un lenguaje artístico que utilizaremos continuamente, es importante y necesario conocer ciertos términos que aquí tendremos organizados alfabéticamente a modo de consulta para cuando nos sean necesarios según avancemos:

TÉRMINOS ARTÍSTICOS:

-Ábaco: Pieza cuadrangular que, colocada sobre equino, sirve de remate al capitel.

-Ábside: Espacio de planta semicircular o poligonal situado en la cabecera de una iglesia.

-Absidiolo: Capilla absidial que se abre al deambulatorio y a los brazos de determinados tipos de iglesias, fundamentalmente las de peregrinación y las góticas.

-Abstracto: Tipo de representación que no toma como modelo la realidad visual.

-Acanto: Planta cuyas hojas sirvieron como modelo para la decoración de los capiteles corintios y compuestos.

-Acuarela: Técnica pictórica que se caracteriza por la disolución de los colores en agua y su aplicación sobre el papel. El efecto resultante es de colores casi transparentes.

-Adintelado: Sistema de construcción en el que solamente se utilizan elementos de cubrición horizontales.

-Adobe: Material de construcción formado por tierra y paja sin cocer al fuego, sino simplemente dejado secar al aire libre. Tiene forma rectangular más menos regular.

-Aguja: Remate apuntado de gran altura que corona una torre.

-Alfiz: Moldura que en marca un arco en la arquitectura musulmana.

-Alminar: Torre de las mezquitas, desde cuya altura convoca el almuédano a los fieles en las horas de oración.

-Alzado: Representación de un edificio según un plano vertical.

-Andito: Corredor que exterior o interiormente rodea un edificio por su parte alta.

-Aparejo: Forma en la que quedan colocados los materiales en una construcción, en especial, los sillares o ladrillos de un muro.

-Arbotante: Arco cuyos arranques están a diferentes alturas y que transmite hacia un estribo o contrafuerte exterior las presiones laterales de una bóveda.

-Arco: Elemento o estructura curva que cubre un vano entre dos pilares o puntos fijos.

-Arco de entibo: Arco utilizado como refuerzo.

-Arco de medio punto: Arco que está formado por un semicírculo entero.

-Arco de herradura: Arco de peralte curvo muy cerrado.

-Arco fajón: Arco de refuerzo que divide las bóvedas de cañón en tramos.

-Arco ojival: Arco diagonal que refuerza una bóveda.

-Arco peraltado: Arco cuya altura es mayor que la mitad de su altura.

-Arco toral: Cada uno de los cuatro arcos que forman la base sobre la que se apoya el cimborrio o torre elevada sobre el crucero.

-Arquitrabe: Parte inferior del entablamiento, que descansa in mediatamente sobre el capitel de las columnas.

-Arquivolta: Cualquiera de los arcos concéntricos y abocinados que forman una portada.

-Ataurique: Adorno hecho con yeso o estuco, típico de arte hispano-musulmán. Su diseño es de flores y follajes.

-Áulico: Perteneciente a la corte o al palacio.

-Balaustrada: Barandilla formada por balaustres, columnillas de formas mixtas curvas y rectas.

-Baldaquino: Estructura arquitectónica destinada a cubrir el altar.

-Baptisterio: Lugar de las iglesias donde está la pila bautismal. / Edificio, por lo común de planta centralizada, próximo a un templo y generalmente pequeño, donde se administraba el bautismo.

-Basa: Parte inferior de la columna, sobre la que descansa el fuste.

-Bestiario: Repertorio de animales fantásticos.

-Bodegón: Género pictórico conocido también como “naturaleza muerta”. En él se plasman seres inanimados (objetos y alimentos). Por extensión, se denomina a la parte de una obra mayor en la que aparece este tema.

-Bóveda: Sistema de cubrición de perfil curvo.

-Bóveda de arista: La que resulta de la prolongación espacial y de forma lineal de un arco de medio punto.

-Bóveda de cañón: La que resulta de la prolongación espacial y de forma lineal de un arco de medio punto.

-Bóveda de crucería: La formada por dos nervios o arcos que se cruzan en diagonal y que sirven de base a la plementería, No necesita un soporte continuo ya que su presión se concentra en los cuatro puntos de arranque de los arcos.

-Bulto redondo: Se llama así a la escultura que no está adosada a un muro.

-Busto: Representación de la parte superior de una figura humana, que tiene como límite el nacimiento de los brazos y el pecho.

-Cabecera: Parte de la iglesia, situada a oriente, en la que se encuentra el altar.

-Capitel: Parte superior de la columna que corona el fuste y sobre la cual descansa el arquitrabe o el arco, según los estilos.

-Cella: Parte principal de un templo pagano en la que se colocaba la estatua de la divinidad a la que estuviera consagrado.

-Celosía: Placa calada que cierra cualquier tipo de vano, que permite ver el exterior pero impide la visión del interior.

-Cimacio: Pieza en forma de tabla que remata el capitel.

-Cimborrio: Construcción abovedada sobre el crucero, generalmente en forma de torre polígona.

-Collage: Técnica y cuadro que resulta de pegar distintos materiales (papeles, madera, arena…) sobre un soporte.

-Collarino: Moldura entre el fuste y el capitel de una columna.

-Contrafuerte: Pilastra saliente en el paramento de un muro para fortalecerlo, normalmente en el punto donde gravita el empuje de una bóveda interior.

-Cornisa: Elemento voladizo con molduras, o coronamiento compuesto de ellas que sirve de remate a un cuerpo de edificio.

-Cripta: Capilla subterránea.

-Crucero: Nave transversal de una iglesia que forma los brazos de la cruz y es de la misma altura que la nave central.

-Cúpula: Bóveda semiesférica que cubre un espacio circular.

-Cúpula falsa: Cúpula realizada por aproximación de hiladas.

-Deambulatorio: Pasillo que rodea el presbiterio y cuya altura es la misma que la de las naves laterales. Recibe también el nombre de “girola”.

-Dintel: Soporte horizontal que apoya sus extremos en las jambas de un vano.

-Donante: Persona que financia una obra y aparece representada en ella.

-Dovela: Cada una de las piezas de piedra que forman un arco. La central se llama “clave”.

-Enjuta: Cada uno de los triángulos o espacios que deja en un cuadrado un arco inscrito en el.

-Equino: Cuerpo principal del capitel, entre el collarino y el ábaco.

-Escala: Proporción que existe entre una representación y el modelo real.

-Escorzo: Representación que extiende las cosas en sentido perpendicular u oblicuo al plano del cuadro o superficie sobre la que se pinta.

-Esgrafiado: Decoración del muro con motivos que repiten una plantilla sobre el yeso.

-Esquemático/a: Sistema de representación que reduce el modelo a sus líneas fundamentales o más significativas.

-Estilizar: Alargar y simplificar los elementos constitutivos de una figura.

-Estribo: Elemento arquitectónico que, aislado o adosado a un muro, sirve para contrarrestar los empujes.

-Filigrana: Técnica de orfebrería que consiste en soldar a una base metálica hilos o gránulos de oro o plata.

-Friso: Elemento del entablamento, situado entre el arquitrabe y la cornisa, que suele estar cubierto de decoración escultórica.

-Frontón: Remate arquitectónico en forma de triángulo. Aparece siempre en la parte superior de las fachadas o sobre puertas y ventanas.

-Fuste: Elemento vertical de la columna, entre la basa y el capitel.

-Gárgola: Desagüe en saledizo que suele representar figuras fantásticas. Impide que las aguas deterioren los muros o vidrieras.

-Grutescos: Motivo decorativo escultórico en el que aparecen temas vegetales, animales y fantásticos entrelazados.

-Guache: Técnica pictórica similar a la acuarela, basada como esta en la disolución de los colores en agua y que tiene como soporte el papel. La diferencia fundamental con la acuarela es que los colores del guache son más intensos.

-Heráldico: Motivo decorativo relacionado con los escudos de armas.

-Hormigón: Material de construcción que consiste en una mezcla de piedras irregulares, cantos rodados, cal, arena y agua.

-Hornacina: Hueco limitado por arriba en forma de arco, que se suele dejar en el fondo de una pared maestra en las fábricas para colocar en él una estatua o un jarrón, y a veces en los muros de los templos para colocar un altar.

-Iconografía: Identificación y descripción de los temas de las artes figurativas, las figuraciones que comprenden y sus cambios en el tiempo o en los diversos ámbitos culturales.

-Imposta: Saliente que separa dos plantas o cuerpos del muro en un edificio.

-Intercolumnio: Espacio entre dos columnas contiguas.

-Intradós: Cara inferior de un arco o bóveda.

-Jamba: Laterales verticales de un vano.

-Lacería: Tipo de ornamentación geométrica basada en el cruzamiento de líneas que forman las figuras estrelladas o poligonales.

-Litografía: Proceso que consiste en delinear imágenes con sustancias aptas para absorber materias grasas (el lápiz litográfico), sobre piedra calcárea; se trata luego ésta con un ácido que hace hidrófilas las partes no protegidas por los trazos del lápiz, la tinta a imprimir (que es grasa) se adhiere solamente  a dichas partes y bajo la prensa pasa a la hoja destinada a la reproducción. Este proceso fue inventado a finales del siglo XVIII y estuvo muy extendido durante el siglo XIX.

-Luz: Anchura de un vano.

-Machón: Pilar de grandes dimensiones.

-Mampostería: Construcción realizada con sillarejos dispuestos de forma irregular.

-Mausoleo: Monumento funerario de grandes dimensiones.

-Megalítico: Construido a base de piedras de grandes dimensiones.

-Miniatura: Pintura de pequeño tamaño, realizado sobre pergamino, vitela, etc., con acuarela, polvos de oro, plata y goma arábiga.

-Mocárabes: Decoración que semeja a las estalactitas, pero a base de formas prismáticas.

-Modillón: Pieza salediza destinada a soportar una cornisa, el arranque de un arco o el vuelo de una galería.

-Mosaico: Técnica que consiste en incrustar en una superficie unas teselas hasta formar un dibujo predeterminado.

-Naturalismo: Sistema de representación figurativa que trata de representar lo más fielmente posible el modelo natural.

-Nave: División longitudinal de un espacio que se logra mediante líneas de columnas que sostienen un entablamento o arquerías.

-Óculo: Pequeña ventana de vano circular.

-Orden clásico: Conjunto de normas que regulan las proporciones de las columnas y las relaciones entre éstas y otras partes del edificio.

-Orfebrería: Técnica de trabajo artístico con metales y piedras preciosas.

-Ova: Motivo decorativo en forma de huevo con la parte más estrecha hacia abajo.

-Pantocrátor: Nombre con el que se designa a la representación de Dios Hijo como principio y fin del universo. Aparece  entronizado en actitud de bendecir sosteniendo un libro en su mano izquierda, rodeado por Tetramorfos (Los cuatro evangelistas).

-Paramento: Aspecto externo y disposición de los elementos que forman un muro.

-Parteluz: Columna delgada que divide en dos un hueco o ventana.

-Pechina: Cada uno de los triángulos esféricos dispuestos en los arcos torales que sostienen la cúpula.

-Perspectiva: Sistema de representación espacial que intenta crear tres dimensiones dando profundidad a la pintura.

-Pilar: Soporte vertical exento, de sección cuadrada o poligonal. Se denomina “compuesto” cuando lleva adosadas columnas o semicolumnas.

-Pilastra: Remate apiramidado de un contrafuerte, estribo o muro, decorado con motivos vegetales o geométricos.

-Pincelada: Forma en la que queda el color en el cuadro al aplicar el pincel.

-Planta: Dibujo que representa un edificio siguiendo un corte horizontal en altura de un metro aproximadamente.

-Plementería: Conjunto de los paños que componen una bóveda de crucería.

-Plinto: Pieza cuadrada sobre la que reposa la base de la columna.

-Predela: Parte inferior de un retablo, generalmente dividida en compartimentos, en la que se desarrollan escenas de la vida de los santos, la Virgen, etc., en relación o no con la escena pintada en el retablo.

-Presbiterio: Área del altar mayor en una iglesia, normalmente a nivel superior al común del edificio y reservando a los ministros del culto y a sus familiares.

-Refectorio: Comedor de un monasterio.

-Retablo: Obra arquitectónica casi plana que se coloca detrás del altar mayor de las iglesias. Puede estar realizado en piedra, madera o metal, y lleva como decoración esculturas, pinturas, o esculturas y pinturas al mismo tiempo. El retablo de divide en bloques verticales y horizontales, donde se colocan las obras que lo decoran.

-Rosetón: Vano circular de gran diámetro con tracerías decorativas caladas.

-Sarcófago: Sepulcro de piedra utilizado en la inhumación de cadáveres.

-Sfumato: Técnica pictórica que consiste en difuminar los contornos de las figuras y los objetos. Este efecto borroso y la falta de nitidez en las líneas crean la sensación de efecto atmosférico, como si hubiese masas de aire que separan al espectador de las figuras pintadas en el cuadro.

-Sillar: Piedra tallada de formas perfectamente regulares.

-Sillarejo: Piedra apenas tallada con formas irregulares.

-Sillería: Obra arquitectónica realizada con sillares.

-Sitial: Asiento de ceremonia, especialmente el que usan en los actos solemnes personas de alta dignidad.

-Tabernáculo: Lugar destinado a guardar la Sagrada Forma en las iglesias cristianas. Tiene forma de pequeño templo y se construye con técnicas arquitectónicas.

-Tambor: Cuerpo circular o poligonal que sostiene una cúpula o bóveda cupulada.

-Taracea: Adorno de ebanistería hecho con pedazos de menudos de chapa de madera en sus colores naturales, o de madera teñida, hueso o marfil, concha, nácar y otras materias.

-Terracota: Obra figurativa realizada en barro cocido.

-Tesela: Fragmento de piedra, pasta vítrea, terracota o metal que se utiliza para formar un mosaico.

– Tetramorfos: Representación de los cuatro evangelistas por medio de sus símbolos: San Mateo con el hombre, San Marcos con el león, San Lucas con el toro y San Juan con el águila.

-Tímpano: Espacio semicircular o de perfil apuntado en las portadas de las iglesias entre el dintel y la arquivolta inferior.

-Tramo: Cada una de las partes en que se divide una bóveda por medio de los arcos fajones. Por extensión, cada una de las partes en que se dividen las naves de la iglesia que corresponden a las divisiones de la cubierta.

-Trasdós: Cara superior de un arco o bóveda.

-Tríada: Grupo de tres.

-Tribuna: Galería sobre la nave lateral de una iglesia, de la misma anchura que aquella, que sirve para aumentar la capacidad del edificio para los asistentes a las funciones religiosas. Comunica con la nave central a través de vanos con arquerías.

-Triforio: Conjunto de ventanas con arquerías que se abren en el grosor del muro ente los arcos de separación de las naves central y lateral y los grandes ventanales superiores.

-Trompa: Bóveda voladiza fuera del parámetro de un muro que sirve para sostener una cúpula.

-Veladura: Técnica pictórica que consiste en superponer dos colores, el superior transparente, para lograr efectos de cambio de tonalidad del inferior.

-Voluta: Elemento decorativo en forma de rollo en espiral que aparece fundamentalmente en el capitel jónico.


Autor:

Luis Miguel Carranza Peco